LUMSK im Interview (2/2)

Mit „Einsemda“ schlägt Lumsk ein neues Kapitel auf. Inspiriert von den Gedichten des norwegischen Lyrikers Tor Jonsson, verbindet das Album Einsamkeit, Liebe, Sehnsucht und Hoffnung zu einem intensiven Dialog zwischen Lyrik und Musik. In unserem zweiteiligen Interview erzählt Espen W. Godø von der Entstehung des Albums, Jonssons Einfluss und dem neuen, direkteren und dynamischeren Klang der Band. Den ersten Teil kannst Du hier nachlesen.

Orkus: „Einsemda“ führt eine Tradition fort, die seit den Anfängen zu Lumsk gehört: norwegische Literatur und Lyrik in Musik zu verwandeln. Wie hat sich euer Ansatz dabei im Laufe der Jahre verändert?
Espen W. Godø: Als Erstes kam mir das Wort Identität in den Sinn. Nachdem Bjørnar Selsbak, der maßgeblich zum Album „Åsmund Frægdegjevar“ beigetragen hatte, die Band verließ, befanden wir uns ein wenig in einer Identitätskrise. Lumsk war ursprünglich seine Vision und die von Alf Helge Lund, unserem ersten Schlagzeuger. Diese Vision entstand über viele Stunden, in denen wir uns im Proberaum mit Ideen auseinandersetzten und gemeinsam Arrangements und Melodien entwickelten. Als Bjørnar ging, hinterließ das bei uns eine gewisse Identitätskrise. Das Album „Troll“ war ein Versuch, etwas Bestehendes fortzuführen und gleichzeitig neue Wege des Komponierens und neue Inspirationsquellen einzuführen. Rückblickend denke ich, dass die Einführung der neuen Elemente besser funktioniert hat als der Versuch, das Alte fortzuführen. Mit „Det Vilde Kor“ haben wir Tradition und Identität fast vollständig hinter uns gelassen – oder zumindest Teile davon – und experimentiert und uns in neue Gebiete vorgewagt. Vielleicht sind wir rückblickend sogar ein wenig zu weit vom Vertrauten entfernt. Es war eine klare Abkehr vom Metal und eine eindeutige Bewegung hin zu etwas anderem. Wenn ich das Album heute höre, fühlt es sich als Ganzes ein wenig eigenartig an. Und wieder gefallen mir die Experimente besser als die Versuche, den stärker am Metal orientierten Seiten von Lumsk treu zu bleiben. Gleichzeitig spüre ich deutlich, wie sich unsere melodische Identität herausbildet, und die Betonung starker Melodien ist auf diesem Album in jedem Aspekt präsent.Ich denke, „Fremmede Toner“ ist sowohl eine Reaktion auf „Det Vilde Kor“ als auch ein natürlicher Schritt nach vorn. Auf diesem Album klingen wir meiner Meinung nach „natürlicher“. Es war ein äußerst interessantes Konzept, mit Bjerkes Übersetzungen fremdsprachiger Gedichte und ihren Gegenüberstellungen in den Originalsprachen zu arbeiten. Ich denke, es ist ein Album, das verschiedene Elemente dessen, wofür Lumsk steht, besser miteinander verbindet als die vorherigen Alben. Es ist druckvoller, dynamischer und melodischer und bringt Mari Klingen am Gesang und Roar Grindheim an der Gitarre ins Spiel.Mari und Roar haben Lumsk seit ihrem Einstieg in die Band enorm beeinflusst. Und jetzt kommt „Einsemda“. Direkter, epischer, progressiver, dynamischer und mit „keinen Regeln“. Noch mehr Experimente, aber diesmal mit einer deutlich ausgeprägteren und klareren eigenen Identität. Ich glaube, wir hinterfragen oder diskutieren nicht mehr darüber, was Lumsk sein oder nicht sein sollte. Das hier ist Lumsk – und vielleicht stehen wir als Band zum ersten Mal zu 100 Prozent dahinter.

O: Was kann Musik mit einem Gedicht machen, was das bloße Lesen nicht vermag?
EWG: Ich denke, das wäre eine sehr subjektive Frage. Ich bin mir sicher, dass man ein Gedicht durch Musik zerstören kann, genauso wie man ihm eine neue Dimension verleihen kann. Für mich ist es im Allgemeinen wahrscheinlich ein bisschen von beidem, und wir versuchen, weniger vom Ersteren und mehr vom Letzteren zu machen. Aber Musik bringt definitiv etwas anderes und etwas Neues in ein Gedicht. In gewisser Weise ist sie eine Einladung, an diesem Dialog zwischen Lyrik und Musik teilzunehmen. Ein Teil dieses Dialogs stammt allerdings von mir, von uns oder vielleicht von uns beiden. Und ein Zuhörer kann niemals an genau diesem spezifischen Dialog teilnehmen. Aber Musik und Lyrik zu hören – vielleicht sogar die Gedichte parallel zu lesen – schafft einen neuen Erfahrungsraum, den weder Musik noch Lyrik allein erzeugen können. Wie diese konkrete Erfahrung aussieht oder sich anfühlt, ist sehr subjektiv. Ein weiterer Gedanke, den ich beim Schreiben der Musik für „Einsemda“ hatte, war, dass einige der Gedichte ziemlich kurz sind. Dadurch entstehen zwischen den einzelnen Versen viele Freiräume. Ich glaube, das schafft Raum zum Atmen und gibt einem Zeit, die Lyrik auf sich wirken zu lassen, den Gedanken freien Lauf zu lassen oder sich einfach zurückzulehnen und der Musik zuzuhören.

O: Das Album beginnt mit „Daudmannhaugen“, das auch als erste Single veröffentlicht wurde. Was machte diesen Song zum richtigen Einstieg in das Album?
EWG: Wenn ich mich richtig erinnere, haben wir die Reihenfolge der Songs für das Album ziemlich kurz diskutiert. Dabei haben wir hauptsächlich drei Dinge berücksichtigt. Erstens muss die Musik auf eine Vinylplatte passen, also muss man die Länge der einzelnen Seiten berücksichtigen. Zweitens wollten wir darauf achten, wie viel „Information“ jeder Song enthält und wie die Dynamik verläuft. Deshalb ist zum Beispiel „Å Dikte“ an dritter Stelle gelandet, also als letzter Song auf Seite A. Es ist ein etwas anderer, etwas kürzerer und gewissermaßen „unbeschwerterer“ Track. Er dient somit als wohlverdiente Pause von all der Ernsthaftigkeit. „Einsemda“ sollte von Anfang an der letzte Song sein. Ich glaube nicht, dass danach noch einer der anderen Songs hätte kommen können. Er ist so traurig, dunkel, wunderschön und zumindest für mich emotional ziemlich fordernd. Auch mit „Daudmannhaugen“ als Eröffnung war es eine natürliche Entscheidung. Es ist ein sehr direkter Einstieg, der sowohl Jonsson als auch – nach einem kurzen Intro – Lumsk vorstellt.

O: Worum geht es in dem Song?
EWG: Es ist schwierig zu beschreiben, worum es genau geht, und ich bin sicher, dass man ihn unterschiedlich interpretieren kann. Für mich geht es um den ständigen Kampf zwischen dem, was hätte sein können, dem, was ist, und dem, was noch kommen wird. So, wie ich es lese, geht es um Träumen, Sehnsucht und Hoffnung, aber auch um Hoffnungslosigkeit und zerbrochene Träume. Eine der Strophen lässt sich ungefähr so übersetzen: „Ich gehe zum Daudmannhaugen (Hügel des toten Mannes) und vollziehe ein Jonsokblot (Mittsommeropfer), während der Garten meiner Träume unter den Hufen des Viehs zertrampelt liegt.“ Das Gedicht beginnt sehr vorsichtig, wird zunehmend aggressiver und endet schließlich trauriger, wenn einem bewusst wird, dass die Träume, um die herum man sein Leben aufgebaut hat, am Ende nichts weiter als Träume waren. „Eines Tages wird das Haus, das ich auf Sand gebaut habe, zusammenbrechen.“

O: Roar Grindheim hat die Musik zu „Å Dikte“ komponiert. Gibt es eine Geschichte dazu, wie dieser besondere Song entstanden ist?
Roar Grindheim: „Der Song ‚Å Dikte‘ entstand ungefähr zur gleichen Zeit wie der Rest des Albums. Er nahm Gestalt an, als ich am Klavier saß und an einigen Ideen arbeitete, die mir schon seit Längerem im Hinterkopf herumgingen. Die Idee für die Gesangsmelodie kam ganz spontan und unmittelbar. Die Musik ist stark von den emotionalen Qualitäten des Gedichts inspiriert, und es war meine Absicht, dem Song ein sehr dynamisches Arrangement zu geben. Ich wollte, dass sich die Musik von etwas sehr Zartem und Sanftem zu einem größeren, epischen Ausdruck entwickelt. In der Musik finden sich definitiv Spuren von Edvard Grieg, insbesondere in den melodischen Elementen. Rückblickend spüre ich auch einen gewissen Einfluss meines Bandkollegen Espen Godø sowie die enorme Inspiration, die darin lag, den Song mit dem Wissen zu schreiben, dass er von Lumsk aufgenommen und live gespielt werden würde.“

Claudia Zinn-Zinnenburg

Mehr über Lumsk erfährst Du auch in unserer Oktober/November-Ausgabe.